Parlons bien, parlons pop.

« We clawed, we chained, our hearts in vain »

Miley se déchaîne au sens propre comme au figuré ! Mais qu’est-ce donc que ce nouveau clip qui défraie la chronique ?

“I came in like a wrecking ball

I never hit so hard in love

All I wanted was to break your walls

All you ever did was wreck me”

Oui, on fait dans la pop grand public alors on met directement les paroles en images et si on se dénude en le faisant, cela rendra la portée de la chanson un peu plus grande. So simple !

« Mon cœur est brisé alors je veux un marteau dans mon clip » a probablement pensé la jeune femme. Ouais,  simple, direct et efficace. Moi j’approuve, espèce de vilains moqueurs ! (oui, oui je vous entends)

Soyons plus sérieux quelques instants...

Le clip de « Wrecking Ball », le dernier titre de Miley Cyrus a été réalisé par le célèbre photographe Terry Richardson, spécialiste du « porno chic » et plonge l’ancienne pop star Disney au cœur d’une nouvelle controverse. Quelques temps seulement après sa prestation pour le moins surprenante aux MTV Music Awards, la voilà encore sur le devant de la scène ! En effet, on peut la voir totalement nue sur une boule de démolition en train de lécher un marteau. Les connotation sexuelles sont omniprésentes ; l’aspect provocateur de la vidéo est décrié mais pour une fois, la demoiselle n’en démord pas, elle croit en cette chanson et déclare que son message n’aurait pas été compris par les médias. Alors avons-nous affaire à un simple objet marketing visant à renforcer la dimension trash et provoc’ de la nouvelle Miley Cyrus ou à un clip au message artistique qui point à travers les courbes de la chanteuse ? Nous interrogerons surtout les rapports entre le clip et son sujet, un cœur brisé, puisque la vidéo provoque un dégoût si total. La forme et le font sont-ils totalement déconnectés, tout n’est-il que vacuité dans ce dernier scandale ?

Miley se tient sur un véritable engin dévastateur qui casse des murs de béton. Elle lèche alors le fer, fer qui est pourtant supposé la démolir. Cette antithèse sera omniprésente et l’on pourra voir un personnage tantôt faible, victime de la démolition, tantôt fort, acteur de cette démolition. Cette alternance rappelle la complexité du couple où chacun peut souffrir ou faire souffrir. L’alternance de  figures ambivalentes est ici notable. Les positions lascives, si elles permettent d’attirer l’attention et de faire grimper les vues du clip sur Vevo  – et par extension d’imprimer la mélodie dans les esprits – évoquent le désir amoureux et glissent la jeune star dans la figure d’une femme passionnée. Sa mise à nue littérale et imagée renvoie à la vulnérabilité dans laquelle tout individu est placé au sein d’une relation sentimentale. Il se dévoile et s’expose aux blessures, ne montre plus seulement ses forces mais aussi ses faiblesses et failles. Dans le cadre du couple, on ne se contente plus d’être une image, un reflet que l’on tend à la société et les masques volent généralement en éclats. On accède ainsi à la partie la plus intime de l’être qui se révèle sous son vrai jour, c’est probablement ce que le clip peut illustrer et c’est surtout ce que Miley Cyrus revendique dans une interview accordée à la radio américaine Z100. (http://www.chartsinfrance.net/Miley-Cyrus/news-88006.html) Il semblerait qu’elle ait été prise à son propre jeu et qu’elle soit fatiguée de n’être réduite qu’à son rôle sulfureux.

Les paroles de la chanson font état d’une déconvenue sentimentale, comme la pop le fait si souvent et se dévoile alors un cri de détresse destiné à l’être aimé. Mais la bluette sentimentale n’est pas à l’ordre du jour et la balade des temps Disney n’est plus qu’un souvenir, ici tout n’est qu’opposition. La peau chaude, délicate se meut au contact du métal froid, dur laissant au spectateur une image presque désagréable tant elle contrastée. Le clip est la parfaite union d’éléments antithétiques, toujours dans l’excès faisant donc mieux ressortir un paradoxe : c’est quand l’individu est le plus vulnérable qu’il s’expose au danger le plus grand, ici symbolisé par la « wrecking ball ».

Ce que veut ce clip, mis à part choquer le public c’est très certainement se faire emblématique de la nouvelle Miley Cyrus et cette fois en toute sincérité, sans forcément être aussi creux que l’image qu’ont pu renvoyé les MTV music awards. L’opposition entre la sensibilité de la jeune femme et la violence qui peut être en elle est flagrante. Cela ne serait-il pas une caractéristique de l’adulescence, cette période post-adolescence qui caractérise l’entrée dans la vie adulte ? Cette immersion est fracassante chez la jeune star, exit les amourettes de lycéenne, exit les mélodies fleurs bleues ! Tout est violence et démesure: l’amour est passion, la tristesse est désespoir, la déception est colère.

Miley Cyrus l’adolescente n’est plus. Entrée fulgurante dans la vie pour une jeune femme à la fois sensible et indépendante. De ce point de vue, le clip de « Wrecking Ball » n’est pas mauvais et l’on ne devrait pas si vite tirer un trait sur la valeur artistique de ses images.

Lien vers le premier "Songs and moods" : Songs and moods...  (avec introduction)

Entre joie et mélancolie, renaissance en musique 

La chanson qui blesse mon coeur d'une langueur monotone...

Save you 

Celle qui vous brise le coeur tant elle est triste (il y en a tellement, Halleluja reste bien sûr en tête du classement)

 Non believer

Celle qui me rend joyeuse ♪

Where you lead de Carol King

Celle qui me rappelle le passé

Celle qui transmet son énergie positive

Spotlight (Oh nostalgia) de Patrick Stump, un ancien FOB 

(l'album devrait sortir en mars)

Ok, cette fois il est temps que je parle d'Aaron...

Il me faut toujours quelques jours ou semaines après un film ou un concert pour y revenir... Here I am !

Le concert :

Seule déception qui n'a rien à voir avec Aaron : je me suis placée  à côté des deux seules dégénérées de la salle : odeurs nauséabondes, hurlements hystériques et...le blasphème le plus odieux : des ricanements pendant U-turn Lily.  (vous imaginez bien que si j'avais eu une arme, un taser ou n'importe quel objet faisant l'affaire, vou auriez pu lire dans les faits divers : massacre lors d'un concert d'Aaron !) Mais peu importe parce que ce groupe c'est du rêve à l'état pur. Alors je me suis promis que j'y retournerai pour leur troisième album en espérant que cette fois, la chance soit avec moi... A moi de dégoter, je ne sais comment une place VIP^^

Aaron = Artificial animals riding on the Neverland. C'est la meilleure définition du groupe.

Comment dire ? Ca bouleverse le paysage musical français, quand on assiste à un de leur concert, on se demande juste : mais qui sont ces ovnis ? J'adore...

Depuis quelques années ce groupe  s'impose en France. Leur premier album avec la BO de Je vais bien ne t'en fais pas (je ne vous en ai pas parlé de ce film ? peut-être qu'il est trop beau pour être commenté car n'en doutez pas, c'est une merveille) U-turn Lily a marqué définitivement l'univers musical. Le risque était grand de décevoir les fans avec un deuxième album. Premièrement, on vous attend toujours au tournant après un succès, deuxièmement on peut supposer que l'inspiration générée au cours de plusieurs années est épuisée. Mais Aaron ne comptait décevoir personne... Dans ces moments, je suis heureuse d'être française et de trouver des univers qui me correspondent au sein de créations françaises. (héhé comme beaucoup je tourne au made in US, cinéma, séries TV, musiques...) Alors merci Aaron.

Mais le plus important : la musique

Cet album est plus rayonnant que le premier, je trouve qu'il est...énergisant ! Evidemment, toutes les chansons n'ont pas le même niveau, personnellement j'adhère peu à Birds in the storm, étrange puisque la chanson a donné le titre de l'album. Mais le bilan est positif.

La chanson qu'on n'oubliera pas...

Chronique des Inrock' : Je l'ai trouvée géniale cette analyse de JD Beauvallet. Je n'aurais pu mieux dire les choses.

On connaît l'histoire d'Aaron, elle aurait dû être sans lendemain : celle d'un groupe parisien fasciné par Radiohead ou Portishead qui, venu de nulle part, irriguait de sa mélancolie poisseuse comme miel la BO du film Je vais bien ne t'en fais pas en 2006. Fort d'un bouche à oreille enthousiaste, le premier album du groupe poussait encore plus loin ce miraculeux triomphe en 2007, dans un pays où, pourtant, comme le chante Dominique A, “le pathos agace".

Le duo, que l'on soupçonne d'intelligence supérieure, aurait alors pu se précipiter dans une suite logique, convenue, comme Archive par exemple le fait si bien, venant chaque année relever les compteurs avec son spleen vaporeux, sans aspérité, sans risque : la tristesse Ikea.

Mais il y avait des désirs d'ailleurs et de musique chez ces deux garçons sur le qui-vive. Aaron a disparu pendant deux années, pour ce que l'on ressent aujourd'hui comme un prodigieux travail d'additions puis de soustractions tout aussi maniaques : c'est au prix de cette gymnastique martiale que s'atteint, via le maximalisme, le minimalisme dans ce qu'il a de plus fulgurant, de moins austère.

Voici un album qui est à l'évidence passé par mille méandres, herses et fausses pistes avant d'atteindre cette béatitude, cette plénitude : un album qui sent le travail forcené sans jamais sentir la sueur, bel exploit. Car des chansons comme Rise ou Waiting for the Wind to Come ont beau ne s'appuyer, principalement, que sur une boîte à rythmes exsangue, une guitare comateuse, un chant plaintif, la profondeur de champ, les éclairages changeants et les signes discrets de grandeur en font des péplums, des odyssées vallonnées.

Une sorte de blues mutant, sous attaque, qui doit autant à la littérature de Cormac McCarthy, autre radin d'effets et d'affect, qu'aux expérimentations de Thom Yorke ou Massive Attack. Ce qui n'empêche pas le groupe, avec ce matériau ingrat, cagneux, aride même, d'offrir ici d'éblouissants feux de Bengale, comme les tubesques Seeds of Gold ou Inner Street. “Listen to the silence…", murmurent-ils : que ce son est beau.

JD Beauvallet

Voilà, cher lecteur vous avez pu regarder quelques minutes à travers ma lucarne, ma définition du blog. J'y étais réfractaire mais j'y prends goût...pour partager les siens c'est idéal.

Le dernier clip de Raphaël ne sera diffusé que la nuit sur M6.

Cause : pourrait heurter la sensibilité des enfants.

Il y a quelques années M6 avait recalé Buffy, ça j'avais encore compris. (mais ça m'avait fait mal au coeur j'ai dû attendre des siècles avant de continuer la série, mon magnétoscope m'avait lâché et j'avais fini par abandonner les enregistrements)

Mais Raphaël, on parle bien du même chanteur ?!

Qu'il se rassure ça ne m'empêchera pas de découvrir ce nouvel album (et bien oui j'aimais bien les petits bateaux qui vont sur l'eau), pour moi le plus dramatique c'est pour le réalisateur du clip...

On tombe dans l'absurde, Raphaël trop violent qui l'eut cru ?! Les rappeurs américains machistes qui tournent autour de mannequins femme-objet à toute heure sur les ondes, ça pourrait aussi être qualifié de violence.
Les clips permettent enfin aux réalisateurs d'exprimer leur créativité (ce qui n'est pas vraiment le cas sur la télévision française...) alors j'ai du mal à comprendre.
En ce moment le titre Désolé passe en boucle, si j'ai bien compris ça parle de jeunes qui ne croient plus en la vie, l'un d'entre eux se suscide, alors ça aussi ce serait violent.
Quant à René la taupe, ça prône peut-être l'obésité, donc c'est dangereux pour la santé des enfants alors je propose qu'on l'interdise aussi.

SI on faisait vraiment attention aux enfants dans notre société, les bar-tabac ne placarderaient pas devant leur vitrine des affiches quasi pornographiques. ( oui c'est toujours l'image de la femme qui en prend un coup, c'est bizarre...)

Il est désormais bien difficile de contourner cette violence,  mais avec ce clip tout est poétique et à la fin on nous laisse sur l'image de deux êtres enlacés dans l'eau. Ca aide les enfants à dépasser la violence peut-être à la sublimer. Elle n'est plus une bête monstrueuse et terrifiante. 

Tous les enfants font des cauchemars, à 4 ans ils peuvent déjà imaginer que des hommes cagoulés les kidnappent.

Retournons les arguments du conseil de protection de l'enfance,le clip pourrait  apaiser leurs peurs, peut-être s'imagineraient-ils flottant dans l'eau, nageant tranquillement.

De plus l'ambiance est primordiale : un meurtre avec une ambiance légère et poétique ne nous effraiera pas tandis qu'une insulte dans une ambiance sombre, opressante à la Stephen King nous marquera...

Rien de tel dans le clip... même les dessins animés ont fait pire.

Mais je vous laisse juger par vous-même...

Le chanteur déclare :  "On n’a jamais eu le sentiment de faire quelque chose de subversif ou dérangeant en tournant ce clip, on était plutôt sur un délire artistique simple et onirique. On voulait retranscrire un rêve, avec une touche de crainte dedans [...] Je ne comprends pas ce qu'il y a de gênant dans ces images, mon fils a deux ans et je le laisse les regarder sans soucis [...] Je ne comprends pas trop ces mecs de la censure, mais je m’en fous. Même si c’est un peu con quand tu as fait un truc à 80.000 euros d’apprendre qu’il ne pourra pas être diffusé".

Poursuivons en musique avec  Les Fall out boy qui ne passent pas non plus sur les ondes françaises ! Cependant Thanks for the memories passait souvent sur les chaînes musicales lors de sa sortie.

D'après Wikipedia : Fall Out Boy est un groupe de musique de Rock Alternatif, Punk et de Pop Rock américain provenant de Wilmette près de Chicago et formé en 2001.
Il est composé de Patrick Stump (chanteur, guitariste et compositeur), Pete Wentz (Bassiste, Choeur et parolier), Joe Trohman (guitariste et chanteur) et Andy Hurley (batteur et percussionniste).

Ils ont connu un certain succès dès leurs débuts sous label discographique avec leur premier album From Under the Cork Tree. Sorti en 2005, cet album s'est vendu à plus de 2,5 millions d'exemplaires rien qu'aux États-Unis où il été certifié double disque de platine. Les Fall Out Boy ont également été nominés dans catégorie Meilleure révélation de l'année aux Grammy Awards 2006. Le groupe a actuellement vendu plus de 30 millions d'albums.

Sans nom de groupe à l'origine, les quatre membres demandèrent directement des idées au public à la fin de leur second concert. Un spectateur proposa Fall out Boy^[1],[2], une référence suposée aux personnages associés aux Simpson qui est l'acolyte de Radioactive Man^[3],[4] dans la version originale.

Pourquoi un article maintenant? Il semblerait que le groupe se soit séparé.  En réalité le chanteur n'exclut pas un retour les années à venir mais il préfère se poser après 8 années intensives. (notamment pour des raisons familiales)

On comprend donc la sortie de leur premier Best-off l'an dernier.

Golden, la plus émouvante de leurs chansons

Selon moi leur meilleur album restera Infinity on high. Ce petit bijou possède non seulement du rythme mais aussi une touche insoupçonnable de magie. Pete Wentz affirme que cet album est finalement fait pour être écouter le soir dans une chambre sombre. C'est en quelque sorte l'album des rêves et cauchemars, comme en témoigne la pochette, pour le moins surprenante !

Pour les adeptes de la série One Tree Hill, Pete Wentz a interprété son propre rôle ! Il chantait au Tric pour Peyton, avec laquelle il entretint une courte romance.